CAMILE Y LOS GIRASOLES

Un día en la vida de Vincent

VINCENT VAN GOGH

Vincent Van Gogh niño

Niño de grandes ojos y cabello rojizo.

•  Vincent Van Gogh, nació el 30 de marzo de 1850 en Brabante (Holanda). Sus padres eran Theodorus, un sacedorte protestante, y  Anna Cornelia.
• Su familia tenía un carácter rígido y conservador. 
• Su madre le enseñó a amar la naturaleza y las obras de arte. 
• Fue el mayor de seis hermanos. 
• Sus preferidos fueron Theo y Wil que siempre le apoyaron.

Alumno atento y observador

• Niño callado, atento y observador. 
• Mucha facilidad para los idiomas. 
• Su diversión era pasear por el campo, cazar insectos, recoger flores y plantas, y dibujar todo lo que veía.

Oleo "Amendro en flor" (1890)

Marchante de arte

• A los dieciséis años se colocó de ayudante en una galería de arte de La Haya.
• A los veinte años se trasladó a Londres. 
• Allí se enamoró por primera vez, pero no tuvo suerte.
• Empezó a tener un carácter malhumorado. Posteriormente se trasladó a París.

Acuarela "Mineros en la Nieve : Invierno",
de la etapa de Vincent Van Gogh en La Haya, Holanda. Año 1882.

De profesor de idiomas a predicador de los mineros

• Trabajó de profesor de idiomas en Ramsgate y en Isleworth. 
• Ayudaba en la iglesia y decidió estudiar Teología. 
• Cansado del latín y el griego se marchó a una mina belga de Borinage. 
• Sintió vergüenza de pertenecer a una familia burguesa y donó toda su ropa, comida y calzado a aquellos mineros tan pobres.

Por fin, fue pintor

• Vincent decidió dedicarse a la pintura, En 1880 se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. 
• Pasó dos años en la casa paterna de Nuenen.
•  En París conoció a los impresionistas. 
• En 1888 Vincent se trasladó a Arles, donde convivió con Paul Gauguin.

Habitación en Arles

• El vivo colorido y las formas retorcidas caracterizan sus obras de Arles entre las que destacan Catorce girasoles, la Casa amarilla, Terraza de café por la noche o la Silla de Van Gogh.
• A lo largo de su vida sufrió una serie de desequilibrios emocionales que lo llevaron entre otras cosas a cortarse la oreja y a vivir con una serie de trastornos.

Lirios

• Los colores de sus cuadros pasaron de ser marrones y oscuros a tonalidades muy vivas e intensas. 
• Los paisajes, los retratos y las flores siempre fueron sus cuadros preferidos. 
• Pintó más de 900 cuadros.

Noche estrellada

• Las pinturas de Van Gogh se consideran un estilo post-impresionista. 

Girasoles

Paul Cézanne

(Aix-en-Provence, Francia, 1839-id., 1906) Pintor francés.  Hijo de un banquero, comenzó sus estudios en el colegio Bourbon de su ciudad natal, donde entabló relación con Émile Zola. Prosiguió en la escuela de dibujo y posteriormente se matriculó, por influencia paterna, en la facultad de derecho, aunque pronto comprendió que su verdadera vocación era la pintura. Instaló su primer estudio en la casa de campo de su padre. En 1861 su madre y su hermana le apoyaron para reunirse en París con su amigo Zola, que se había trasladado allí un año antes.  Se inscribió en la Academia Suiza para preparar el examen de ingreso en la de Bellas Artes.  En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez, y este hallazgo marcó profundamente su evolución artística. Sintiéndose incapaz de pintar, regresó a Aix y aceptó un empleo en el banco de su padre, pero en 1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura.  Allí reanudó su amistad con Zola y continuó sus estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y a Pissarro.  Gracias al contacto con este último, Cézanne daría un giro radical en su estilo, desligándose de toda norma académica y de la paleta sombría y fuertemente empastada que le caracterizaba. En 1886 su obra fue rechazada por el Salón de Otoño por vez primera, lo que se repetiría una y otra vez hasta el final de sus días y provocó en él un profundo resquemor.  Conoció por entonces a la modelo Hortense Fiquet, de la que tendría un hijo, y se trasladó con ella a L´Estaque, localidad en la que pintó paisajes y bodegones en los que se aprecia una mayor fluidez y vivacidad de los colores merced a la influencia de los impresionistas. Como sus coetáneos, se convenció de la importancia de pintar al aire libre, y, tras volver nuevamente a París en 1872, realizó una colección de paisajes en Louveciennes junto a Pissarro y otros artistas que inauguraron su denominado «período impresionista».  En 1878 se estableció casi permanentemente en Provenza, alcanzando progresivamente la madurez expresiva que iba a configurar uno de los estilos más representativos e influyentes del arte del siglo XX. Los jugadores de naipes (1892) y El monte de Sainte-Victoire (1900) Llevó a cabo su actividad pictórica en una reclusión casi total, acentuada por la ruptura con su antiguo amigo Zola a raíz de la publicación de La obra, en la que Cézanne creyó reconocerse en el personaje de Lantier, un pintor fracasado.  En 1886 murió su padre y Cézanne abandonó a Hortense, su esposa desde 1884, y a su hijo en París, pasando a instalarse en Aix, donde pintaría la serie de cuadros de la montaña de Sainte-Victoire.  Cézanne continuó con su actividad prácticamente en el anonimato, hasta que en 1895 el marchante Ambroise Vollard organizó, con el apoyo de Pissarro, Renoir y Monet, una exposición sobre su obra que fue bien recibida por la crítica, lo que le abrió las puertas del Salón de los Independientes cuatro años más tarde. El primer Salón de Otoño de 1904 le dedicó una sala de forma exclusiva, en lo que sería un acontecimiento fundamental para el devenir de las primeras vanguardias y una especie de reconocimiento casi póstumo, pues el artista moriría apenas dos años después.  Dicha exposición confirmó a Cézanne como el padre de cubistas y fauvistas, y ejerció un gran impacto sobre artistas como Picasso, Braque o Dérain. La tendencia constructivista de Cézanne fue la semilla que germinó en el movimiento cubista, además de ser pionero en su concepción del color, que trató como elemento pictórico independientemente de la forma.  Compaginó así el estilo directo y vivaz del impresionismo con la precisión en la composición, el ritmo y la cadencia en un intento de «solidificar el impresionismo», como él mismo declaró. Consagrado definitivamente en la retrospectiva que se le dedicó un año después de su muerte, Cézanne es considerado una de las figuras más influyentes del arte del siglo XX.

1873 - 34 años
 La casa del ahorcado
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 55 x 66 cm.
Museo: Museo de Orsay. París

1888 - 49 años

 Martes de carnaval

Material: Óleo sobre lienzo.

Museo: Museo Pushkin. Moscú

1880 - 41 años
 El puente de Maincy
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 58,5 x 72,5 cm.
Museo: Museo de Orsay. París

1874 - 35 años
 Una moderna Olimpia
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 46 x 55.5 cm.
Museo: Musee de Orsay. París

1873 - 34 años
 Casa del Dr. Gachet en Auvers
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 46 x 38 cm
Museo: Museo de Orsay. París

1871 - 32 años
 Reloj de mármol negro
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 54 × 73 cm.
Museo: Fundación Stavros Niarchos. Atenas

1866 - 27 años
 El padre del artista
Material: Óleo sobre lienzo.

Museo: National Gallery of Art. Washington

	1867 - 28 años  El rapto Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 89,5 x 115,5 cm. Museo: Museo Fitzwilliam. Cambridge
1892 - 53 años  Los jugadores de naipes Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 47,5 x 56 cm. Museo: Museo de Orsay. París	1899 - 60 años  Naturaleza muerta con manzanas y naranjas Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 74 x 93 cm. Museo: Museo de Orsay. París
1900 - 61 años  El monte Sainte Victoire Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 78 x 99 cm. Museo: Hermitage. San Petersburgo	1904 - 65 años  Bodegón con pañeria Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 53 x 72 cm. Museo: Hermitage. San Petersburgo
1904 - 65 años  Le Château Noir Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 73,6 x 93,2 cm. Museo: MOMA. Nueva York	1905 - 66 años  Los grandes bañistas Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 127 x 196 cm. Museo: National Gallery. Londres

El puntillismo

 



























El puntillismo es un estilo de pintura que consiste en hacer un dibujo mediante puntos. Aparece por primera vez en 1880, encabezado por
el pintor neoimpresionista Georges Seurat, y contando entre sus seguidores más fieles tales como Henry Edmond Cross, Yael Rigueira y Vlaho Bukovac. El procedimiento de pintura empleado por estos artistas, consiste en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre la tela. Este fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo porYael Rigueira y Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas. Otro de los más importantes seguidores del puntillismo fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la fundación de artistas independientes (1884), todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo.

Kandinsky

Kandinsky es un pintor con mayúsculas, uno de los artistas que revolucionan la pintura del siglo XX con sus obras. Primero vamos a tratar de acercarnos a su vida para conocer un poco mejor el porqué de su obra. Si tenemos que contar a los niños una pequeña biografía de Kandinsky debemos decir que era de origen ruso, nació en una zona cercana a china en el año 1866, aunque también residió en otras zonas de Rusia como Moscú y Odesa. Tenía gran interés por la pintura pero no será hasta que vea una exposición de impresionistas en Moscú cuando se decante finalmente por esta opción sorprendido por algunas de las obras que pudo ver allí en el año 1895.

Pasará los siguientes años de su vida en Alemania, asentado en Munich principalmente, aunque la revolución rusa le cogerá en Moscú y con regimen ruso va a colaborar durante unos años en diferentes proyectos educativos para después regresar a Alemania (el régimen nazi declaró sus obras como degeneradas y muchas fueron destruidas). Se dedico a la enseñanza y dicen que era muy buen profesor, también uno de los grandes teóricos de la pintura, algunos de sus escritos son muy conocidos y apreciados por la crítica, teniendo plena vigencia en nuestros días, por ejemplo su obra De lo Espiritual en el Arte, que suele citarse en muchos comentarios de arte contemporáneo por su concepción acerca del color y las formas en las obras. Pasó sus últimos días en Francia, donde vivía desde 1939 en que adquirió la nacionalidad del país galo, allí falleció en el año 1944.

Guernica de Picasso.

El 26 de Abril de 1.937 la villa vasca de Guernica fue objeto de un cruel bombardeo por parte de la aviación alemana, que produjo numerosas víctimas inocentes y cuantiosos daños materiales. El hecho se enmarca en el desarrollo de la Guerra Civil española, comenzada el 18 de Julio de 1.936, y que enfrentaba al gobierno de la República, democráticamente elegido, con el ejército rebelde de Franco, sublevado contra el poder legítimo. Mientras los soviéticos de Stalin ayudaron a la República, Franco obtenía abundante ayuda humana y material de la Italia de Mussolini y de la Alemania de Hitler. La aviación de éste último tomó la iniciativa de bombardear Guernica por cuenta propia, sin pedir ningún permiso ni notificarlo a Franco. Los aviones Junker alemanes de la Luftwaffe realizaron un bombardeo-alfombra contra la desprotegida villa. La razón del ataque no podía ser la existencia de depósitos de armas, ni cuarteles o tropas, ni objetivos estratégicos ni que la villa fuese un nudo de comunicaciones. Guernica carecía de cualquier importancia militar o estratégica.

LA REPRESENTACIÓN.

Contemplando la obra de derecha a izquierda puedes ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad , que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía. En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo y mostrándonos una espuela; su boca abierta y su lengua-lanza demuestran su excitación ante los acontecimientos. Justo encima está el sol, empequeñecido, en forma oval y con una bombilla en su centro como si el humo del bombardeo hubiese contraído el astro rey y la única fuente de iluminación tuviese que ser artificial. Un poco a la izquierda un pájaro agita las alas y clama al cielo desesperado como si pidiese inútilmente una explicación para lo acontecido. Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto, su mano todavía sujeta una espada rota.

En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y desconcertado y, a su lado una visión terrible: una madre abrumada por el dolor lleva en sus brazos el cuerpecito de su hijo muerto mientras mira al cielo rota por el dolor y la pena.

Picasso renuncia al color para acentuar el dramatismo y sólo utiliza la gama de grises, el blanco y el negro, es lo que en arte se denomina grisalla.

Es un cuadro “sonoro”, los personajes gritan, gesticulan y mueren bajo las bombas ciegas que con todo acaban. La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la muerte en cualquier guerra. Picasso pinta a las cuatro mujeres en actitudes desesperadas, son la población civil indefensa, pero también al militar caído en la defensa y a los animales, ajenos a la locura humana.

Una característica que el autor utiliza con frecuencia es la representación simultánea de varios planos en los rostros, como si los viésemos a la vez de frente y de perfil, de ahí un ojo diferente del otro, produciendo una visión globalizadora.

Técnicamente el Guernica tiene rasgos cubistas (reduce las formas naturales a formas geométricas) pero también emplea el expresionismo en los gestos extremos de los personajes y una gran pureza y definición de líneas que nos recuerda el neoclasicismo.

EL SIGNIFICADO.

�La visita de Picasso a España justo antes de la guerra civil le supone una gran curiosidad por lo fiesta de los toros. Todos sus elementos están en el cuadro: el toro símbolo de fuerza, brutalidad y oscuridad, el caballo de la inocencia y la víctima indirecta de todas las tragedias, el espacio acotado y la espada. Los símbolos taurinos muestran aquí la esencia de España y su sufrimiento.

La luz de la lámpara ilumina la escena central de forma triangular y no se sabe muy bien si estamos en una escena interior o al aire libre, puesto que la indefinición espacial no nos da ninguna clave al respecto. El cuadro es el más elaborado y pensado de Picasso, realizó 45 bocetos o estudios previos, que fotografió y amplió al objeto de componer el conjunto de una manera coherente y expresiva.

LA HISTORIA DEL CUADRO

Finalizada la Guerra Civil Española con la derrota del gobierno republicano el Guernica no volvió a España, ya en manos fascistas, sino que viajó al M.O.M.A. (museum of modern art) de Nueva York. Por deseo expreso Picasso, el cuadro no podría volver a España hasta que nuestro país fuese una democracia. Con la muerte de Franco en 1.975, España recupera esa democracia y el cuadro viene de Nueva York, siendo expuesto en el Casón del Buen Retiro (dependencia del Museo del Prado para las colecciones de los siglos XIX y XX). Despierta una enorme expectación y miles de personas hacen colas interminables para contemplarlo, adquiriendo así ese carácter de símbolo imperecedero que lo caracteriza.

Recientemente se cambió su ubicación al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, también de Madrid, donde actualmente se encuentra en exposición. Hace pocos años fue solicitado por el gobierno vasco para exponerlo en el Guggenheim con el argumento de que era una pintura vasca pero su delicado estado de conservación desaconsejó el traslado. Se provocó una gran polémica y Arzallus llegó a decir “en Madrid tienen el arte y nosotros sólo las bombas”. Lo cierto es que el argumento de que representa a una villa vasca no es suficiente para que vaya allí. El encargo lo hizo el gobierno de Madrid, Picasso dejó escrito su deseo de ver el Guernica colgado en El Prado, el cuadro es alusivo a la guerra de España y, como cualquier obra de arte es universal, ajena a nacionalismos y sectarismos.

EL AUTOR

Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga en 1.881, muy joven se trasladó a Barcelona y, finalmente se estableció en París.

Pasó por varias etapas estilísticas como el periodo azul, el rosa, el cubista y el surrealismo. Fue un verdadero genio de la pintura universal y un gran innovador, permanentemente indagando en nuevos campos de expresión artística.

Murió el 8 de Abril de 1.973.